「ウィーンのカフェにて」

講師：田辺秀樹
2016年4月23日（土）

共演：西野薫
レクチャー＆コンサート

　ハナミズキに八重桜、様々なツツジ、フジ、モッコウバラ、楠や欅の新芽も――この時期、スタジオ・コンチェ
ルティーノの辺りは華やいでいる。「まだ５月ではありませんが、風薫るような一日、ウィーンの魅力をピアノ
と歌でという、これまでになかった形のセミナーです」と岡山潔TAMA音楽フォーラム代表があいさつ、講師役の
田辺秀樹・一橋大学名誉教授を紹介した。
　「異色のセミナー」の理由のひとつは田辺先生が音楽家ではないことだが、中学2年まで本格的にピアノを学び
、音楽に関係の深い分野の研究を続けているドイツ文学者。おふたりは岡山代表が西ドイツ・ボンのオーケスト
ラのコンサートマスターをつとめていた時期に、田辺先生がボン大学に留学、知り合った。岡山代表は自らがウ
ィーン音楽大学で教えていた2006年当時、田辺先生がウィーンのフォルクスオーパー（国民歌劇場）に近い名の
あるカフェでピアノを弾き始めると、少しざわついていたその場の雰囲気ががらりと変わった事実を「目撃者談
」として紹介（筆者の勝手な想像では、過去から今に連なる４次元の絶妙な空気感がお客ひとりひとりの心の琴
線に触れたのだろう）、今日のレクチャー＆コンサート「ウィーンのカフェにて」を企画した背景を明かした。
先生は学生時代に東京・新宿の酒場でピアノのアルバイトをした経験もあるそうで、「最近はカラオケに押され
て生ピアノの店が少なくなった」と残念がる。
　レクチャー＆コンサートの前半は田辺先生がウィーンではすっかりお馴染みの7曲を選び、解説とピアノ演奏を
繰り返す形で進んだ。１曲目はウィーン生まれでピアニスト、歌手でもあったヘルマン・レオポルディ
（1888～1959年）の代表作のひとつ『ヘルナルスの小さなカフェにて』。先生は「ヘルナルスという郊外にある
何てことないカフェ、都心にあるようなカフェではなく高級でも有名でもないが、独特の安らぎ、くつろぎがあ
る」「本来は歌がついた曲で、my songです」と説明してからピアノに向かう。「屋根」と呼ばれる上蓋の部分を
半開きにとどめているのは、音をホールに鳴り響かせるのではなくて、うらぶれた感じを出したいからとか。
　2曲目はオペレッタ『チャールダーシュの女王』で知られるハンガリー生まれのエメリヒ・カールマン
（1882～1953年）によるオペレッタ『マリツァ伯爵令嬢』から『ウィーンへのあいさつ』。ウィーンを懐かしん
で讃える歌で、前半は物悲しいジプシーの旋律、後半はワルツになっている。次はウィーン生まれの脚本家・作
曲家ローマン・ドマニク＝ロル（1882～1938年）の『懐かしの1830年代』で、ハプスブルク帝国が衰退へ向かう
19世紀後半にはやった懐古趣味の色濃いウィーン歌曲（Wienerlieder）のひとつ。田辺先生は「世紀末の人びとに
とって19世紀の前半こそが最高の時代だった」と解説する。
　さらに、カールマンとともに20世紀初めの「オペレッタ銀の時代」を代表するハンガリー（現スロバキア）生
まれのフランツ・レハール（1870～1948年）の有名な『メリーウィドウ』から2曲を採り上げ、「これらはカフェ
のピアニストにとっていちばん大事なメシのタネ」と付け加えた。また、ウィーン生まれのピアノの巨匠フリー
ドリヒ・グルダ（1930～2000年）がよくアンコール曲として弾いた『ウィーンの辻馬車の御者の歌』を紹介した
。これはハンガリー出身のグスタフ・ピック（1832～1921年）の作品で、歌詞では年寄りの御者が自分の商売を
自慢したりする。ウィーン歌曲のなかで最もよく知られている曲のひとつである。
　ここで休憩。何と、聴講の皆さんに「ベートーヴェン」（白）や「ハイドン」（赤）といったブランドのオース
トリア産ワインが用意されていた。粋なはからいに大感激。
　後半はソプラノの西野薫さんが加わって4曲。アンコールの声にこたえて、さらに3曲が披露された。まず、最
後期のオペレッタ作曲家のひとりで、数多くの録音を残した指揮者でもあったロベルト・シュトルツ（グラーツ
生まれ、1880～1975年）のこれまた有名な『プラーター公園の春』。「いまの季節にぴったりの歌」（田辺先生
）で、日本語のせりふも加わって実に楽しかった。ひき続き、ワルツ王ヨハン・シュトラウス２世（1825～99年
）のオペレッタ『踊り子ファニー・アイスラー』から『ズィーファリングの郊外では』、シュトルツの『ウィーン
は夜こそ素晴らしい』、先生曰く「またあれか、と言うほど有名な」ルドルフ・ズィツィンスキー（1875～1952
年）のウィーン賛歌『ウィーン、わが夢の街』へと進んだ。
　アンコール曲のうち、ナポレオン後のヨーロッパの秩序をめぐって協議したウィーン会議に題材をとったオペ
レッタ映画『会議は踊る』（1931年）のためにヴェルナー・リヒャルト・ハイマン（旧ドイツ・ケーニヒスベルク
＝現ロシア領カリーニングラード＝生まれ、1896～1961年）が作曲した『ただ一度だけ』では、聴講席から手拍
子が入るなど、おおいに盛り上がった。
　格式のあるクラシック音楽とはちょっと違う、どこか耳にやさしく懐かしい音楽が聞こえる日常――ウィーンの
カフェとはそんなところらしい。筆者には、ミルクコーヒー（メランジュ）を注文すると一緒にお水が出てくる
のでありがたかった、くらいの記憶しか残っていないので、また行ってみたいと思う。
ところで、ユダヤ系のレオポルディは1938年のナチによるオーストリア併合とともに、ドイツの強制収容所に
送られたが、運よく9か月で解放され、アメリカに亡命。シュトルツもナチを嫌ってアメリカに移住した。両者は
ニューヨークで家族ぐるみの付き合いをしたという。彼らは第2次大戦後、ウィーンに復帰し、再び活躍する。シ
ュトルツは1975年6月27日に滞在先のベルリンで死に、7月4日にウィーンの中央墓地に埋葬された。1万人ともい
われる多くの人びとが参列したそうだ。市民に人気があった証しである。
田辺先生が今日のセミナーで採り上げた作曲家の半数はこの街の出身ではない点も興味深い。すぐれた才能を
引き寄せ、いわばウィーン化して再生産する音楽の都のふところの深さには感心する。ウィーンは保守的だ、な
どと批判する向きもあるようだが、少数派だろう。
なお、田辺先生のピアノがＣＤになり、近く発売される。この秋には東京でリサイタルを開く予定という。
（走尾正敬）

セザール・フランクのヴァイオリンソナタ

講師：福中冬子（音楽学）

日時：２０１６年６月１９日（日）１５時 スタジオ・コンチェルティーノ
演奏：近藤薫（Ｖｎ．）長尾洋史（Ｐｆ）

レクチャー・コンサート
　　　　　


　この日のセミナーは岡山潔ＴＡＭＡ音楽フォーラム理事長のあいさつで始まった。「福中先生は近所にお住まいで、実は何年も前の初日の出の時にお会いした。芸大では私が退官してから来られたのでそれはすれ違い。３年以上前（２０１２年９月）にＴＡＭＡ音楽フォーラムで現代ドイツ作曲家ヴォルフガング・リームのピアノ３重奏の講義をしてもらった。専門は現代音楽なのだが、今日はフランクのヴァイオリンソナタを取り上げていただく。そのあとの演奏はともに現在活躍中の若手で、二人によるこの曲のＣＤ録音を聞き、感心したので来てもらった」。
　福中先生のレクチャーは１時間にわたる熱のこもった内容だった。その概要は以下の通り。


＊ここでリームのレクチャーをした後、岡山先生から誰のヴァイオリンソナタが好きかと聞かれたので、セザール・フランクと答えていた。現代音楽が専門だが、疲れたら、ショパンやブラームスをよく聞く。大学（国立音大）をでて、ニューヨーク大学人文大学院へ留学するとき、好きな曲として、フランクのヴァイオリンソナタのオイストラフ、リヒテルによるＬＰレコードをテープに入れて持って行った。まことに思い出の曲、多様な解釈が可能な名曲である。


＊フランク（１８２２年～１８９０年）はベルギーのリエージュ生まれ。ショパンやシューマン、フランスに来たオッフェンバックと同世代で、サン・サーンスは１０歳年下。当時のフランスはオペラやオペレッタが中心でその他の音楽は重視されなかった。この第二帝政時代が終わり、普仏戦争で敗戦して２か月後の１８７１年２月、国民音楽協会が設立された。フランクもサン・サーンスとともに創設にかかわった。これは「ガリアの芸術」を標榜し、フランスによるフランスの芸術をめざした。折から反ドイツ的ナショナリズムが盛り上がっていた。


＊フランスの器楽音楽を考えるうえで、パリ音楽院の話が大切である。１９世紀にパリ音楽院は今と違い、フランス人のためのエリート養成機関であり、外国人に開かれていなかった。だからベルギー人のフランクは父にフランス国籍を取ってもらって１４歳でパリ音楽院に入学できた。のちにフランクがパリ音楽院のオルガン科教授になれたのもフランスに帰化来たおかげであった。


＊ここで１９世紀の欧州の状況を見直してみよう。いわゆる国民国家が成立した時代であり、ドイツは国家統一が成り、スラブなどでも民族独立の動きがあり、自分の国の文化、言語、伝統を重視し始めた。フランスではナポレオン３世の第２帝政時代（１８５２～１８７０年）、予算はもっぱらパリ・オペラ座に投入された。オペラは言語を使うから、言語統一のためにも、国の色が出やすいオペラ、オペレッタが大切にされた。


＊オッフェンバックの「パリの生活」は第２帝政時代のパリの世相を見事に示している。１８５０年代に鉄道がフランス全土に敷かれ、人はパリをめざす。華やかなパーティに彩られた夜の生活。パリ・セーヌ郡の長、ジョルジュ・オスマン。近代都市パリを作った人物である、今もオスマン通りが残る。このパリを軽薄と見た人も多かった。イポリット・テーヌがその一人で、１８６０年代、アメリカ人を装って、パリを風刺した。テーヌはここでベートーヴェンの最後のピアノソナタを例に挙げて、ドイツ人の精神性を強調した。ドイツ圏ではベートーヴェンとロッシーニの対立が表面化していて、この構図がフランスとドイツの対立構図に移行したといえる。


＊第二帝政後に成立したフランス国民音楽協会に反ドイツ的要素があったのは確かだが、フランスには器楽音楽に基準となる形式がなく、モデルとしてはやはり、モーツァルト、ベートーヴェンなどドイツ・オーストリアの音楽伝統であった。そしてこの上に近代フランス音楽が形成された。


＊ここで重視されたのがソナタ形式であった。音楽形式にはロンドや変奏曲やいろいろあるが、ソナタ形式にはドイツ的な統一、統合の概念がある。二つの主題が別の調性であることなどの決まりもある。（ここで福中先生はピアノに向かい、実例としてモーツァルトのピアノソナタＫ５４５の第１楽章の２つの主題、また、ベートーヴェンの第５交響曲の第１楽章の２つの主題を弾いた）。


＊さて、フランクのソナタは第１、第２楽章がソナタ形式で書かれている。（第１楽章の冒頭を弾いた後）この第２主題は第１主題とつながっている。また２拍目にアクセントをつけるのがフランクの特徴だ。この第３楽章冒頭、第１楽章の主題が変形して、リズムが揺れる音型でもこの特徴が出ている。このような「回想」は曲の随所に現れる。つまり循環構造という手法をフランクは使っている。


＊フランクはドイツ的な技法に基づきながら、これをフランス風に表現したといえる。このヴァイオリンソナタと同じ１８８６年にブラームスが作曲したヴァイオリンソナタ第２番イ長調のはじめとを比べてみよう。フランクのほうは危うさの中の浮遊感といった趣ではじまる。３和音による９度の和音が基本となり、これに不協和音が入ってきて、不安を醸し出す。和音の使い方がブラームスとは大きく違うのだ。


＊第１楽章の第１主題がひそやかで、第２主題が堂々と出ることや、展開部があまり展開せずに縮小して再現部に入るなどフランク独自のソナタ形式がここにある。このころ、ドビュッシーはすでに「春」を発表し、印象主義が彼に結び付けられ、フランクは旧式の作曲家だとも考えられていた。ただ、フランクはフランス的なものをドイツ的な形式に巧みに結び付けた。そこにフランクらしさがある。


　福中先生の講座はここで終わり、休憩のあと、ヴァイオリンソナタの演奏となった。二人の若手奏者はともに活気と情熱にみちた演奏を繰り広げた。アンコールとして、ヴァイオリンの近藤さんは「師匠岡山先生のリクエストで」といいながら、フォーレの４手連弾用の「ドリー」（作品５６）の中の「子守歌」のヴァイオリンとピアノ編曲版を優雅に演奏してこの日のセミナーは終わった。（記録：西谷晋）

シューベルトとシューマンのピアノ作品

講師：ゴットリープ・ヴァリッシュ（Ｐｆ）

日時：２０１６年８月１４日（日）１５時 スタジオ・コンチェルティーノ


レクチャー・コンサート


　　　　　　　【演奏プログラム】
　　　　ロベルト・シューマン：子供の情景
　　　　　　　　　第１曲　見知らぬ国と人々について
　　　　　　　　　第２曲　不思議なお話
　　　　　　　　　第３曲　鬼ごっこ
　　　　　　　　　第４曲　おねだり
　　　　　　　　　第５曲　十分に幸せ
　　　　　　　　　第６曲　重大な出来事
　　　　　　　　　第７曲　トロイメライ
　　　　　　　　　第８曲　暖炉のそばで
　　　　　　　　　第９曲　木馬の騎士
　　　　　　　　　第１０曲　むきになって
　　　　　　　　　第１１曲　怖がらせ
　　　　　　　　　第１２曲　眠りに入る子供
　　　　　　　　　第１３曲　詩人は語る


　　　　フランツ・シューベルト：３つのピアノ曲　Ｄ，９４６
１． 変ホ短調　２．変ホ長調　３．ハ長調


　G・ヴァリッシュによるレクチャー・コンサートは、昨年１０月１２日以来の第２回目で、その時はモーツァルトのＫ．３３０ソナタ、ベートーヴェンの６つのバガテルＯＰ．１２６，シューベルト４つの即興曲OP．９３５というプログラムであった。今日は初めにシューマン、それからシューベルトを取り上げ、実に綿密な解説を加えながらピアノを弾き、休憩後にプログラム通りの素晴らしく心のこもった演奏をした。初めに岡山潔ＴＡＭＡ音楽フォーラム代表が「今日はお盆休みとあって、聴講者が少ないけれど、今日ここに来た人は幸運ですよ」という通り高度に充実した展開となった。当初、シューベルトの代わりに、ショスタコーヴィッチの「２４の前奏曲」ＯＰ．３４が予定されていたが、講師の要望で、シューベルトに変更された。レクチャーのドイツ語通訳はヴァイオリニストで、ミュンヘン室内合奏団員の吉川幸祐さんが務めた。
　レクチャーは実にち密、細部にわたったが、そのごく一部をここに記録しておく。
（シューマン：子供の情景）
＊この有名な曲について話すのは簡単ではない。彼の作品番号２３まではすべてピアノ・ソロのために書かれた。つまり、１８３０～４０年の間はピアノの年であり、この曲は１８３８年３月にできた。このときコンサートのためウイーンに滞在していた９歳年下の天才少女で後に結婚するクララ・ヴィークにあてた手紙で、３０もの小さな作品から１２曲を選んで「子供の情景」と名付けたと報告している（後で１曲加えて１３曲になった）。
＊抒情的で親密なこの曲には当時誤解も生じた。子供のための曲と見られ、難しすぎる、子供には３つの手が必要だとの評もあった。実はそうではなくて、大人が振り返った子供のころの情景といえよう。シューマンもそのように述べている。
＊彼が一番影響を受けたのはバッハとジャン・パウルであった。この曲のなかでBACH
の音型が使われているし、第１３曲では、バッハへのオマージュとして、4声のためのコラールが聞こえる。
＊彼は作曲を終えてから曲のタイトルを考えた。ドビュッシーもそうだった。いまこのスタジオにかかっている絵はどうだろう、といったところで、岡山潔代表が次のように補足説明をした。「この絵画は私の友人が描いた「天上の楽師たち」シリーズの一枚で、彼も描き終わってから題名を考えた。初めにタイトルがあると表現内容が規定されてしまうのを恐れた点では、シューマンと同じであったろう」。
＊この曲の素晴らしさは、詩的ファンタジーばかりではなく、作曲技法と構成からもそういえる。第7曲のトロイメライが頂点をなす山波を描いている。最初の6曲はすべてシャープのつく調性で、6度の上下移動を多用している。それからヘ長調のトロイメライが来る。すごい変化である。
＊ここで彼のメトロノーム指示について述べておきたい。トロイメライの指定は4分音符＝１００だから、かなり速く、1分40秒ぐらいで終わる、と弾いて見せた。ホロビッツやハスキルなどの大家ははるかに遅く、倍近い遅さの演奏もある。1868年にクララがシューマン全集を出したが、ここでは、トロイメライのテンポは８０に、つまり２０％遅くした。私もシューマンの指定に従うわけではないが、とても参考になる。トロイメライを速めに弾くと子供らしさが出る。第1曲の指定もとても速い。それにより、自発的で軽やかな雰囲気が出る。
＊第1曲と第13曲のタイトルは理解しにくい。第1曲の「見知らぬ国と人々について」は彼がウイーンにいるクララに思いをはせたのかもしれない。１３曲の「詩人は語る」の詩人とは誰だろう。シューマンその人、自分の肖像と考えてよい。彼はすごく内気で、人に尋ねられてやっと答えるという風だったので、この第13曲でも曲想が途切れ途切れに進み、最後は一つ一つの和音を鳴らして消えていく。


（シューベルト：3つのピアノ曲Ｄ９４６）
＊私にとって非常に特別な曲で、長らく弾いてきた。これは1828年、つまり最後の年の5月に作曲された。シューベルトは1826～28年の3年間に2つのピアノトリオ、弦楽４重奏曲や弦楽5重奏曲、「冬の旅」などの歌曲、即興曲Ｄ935などのピアノ曲と実に多くの優れた、しかも理解しやすい傑作を生みだした。しかしこのＤ．946の3曲は理解が難しい。やさしく歌う曲想ではなく、緊張感と葛藤があり、滑らかに進行しない。
＊第1曲変ホ長調は疾風、嵐のように劇的で、バスラインを聞くといい。テーマは歌わず、紙を小さく切ってばらまいたような趣である。旋回しても上に行かず、閉じ込められた印象を与える。付点音符の進行が音楽を不穏なものにしている。3曲ともそうなのだが、下降への傾きがある。音型が下りていくことで沈痛な雰囲気が生まれる。「白鳥の歌」のなかの「アトラス」の曲想に似て、深刻な、運命的な痛みを感じさせる。この曲には一つの中間部があるが、もともとはもう一つの中間部があった。シューベルトは繰り返しが多いのを避けるためか、後でそれを省いた。だが、1868年にこの曲が出版されたとき、ブラームスは二つ目の中間部を復活して出版させた。以前私は中間部を二つとも弾いていたが、昨年から一つにした。今日はどちらにしようかな。（あとのコンサートではやはり中間部は一つだけで演奏された）
＊第2曲変ホ長調。幻想曲Ｄ．９３４の冒頭のように震えるようにトレモロで始まる。ここでも第1曲同様、音の幅が狭い。つまり歌謡的でなく、深刻な感じがする。
＊第3曲はハ長調となる。4分の2拍子のスケルツオ、ＡＢＡの三部形式。2度でだんだんと下降していく音型。この後はボヘミアンな奔放さを見せる。とても新鮮な感じがする。中間部は変ホ長調に転調して、緩やかに静かに進む。ふつうスケルツオの中間部は短くて軽いのだが、この中間部は82小節もある。最後のＡの部分にコーダがついているのも珍しい。曲はいったん上昇するがやはり下方に向かって終わる。


（ゴットリープ・ヴァリッシュ氏の略歴）
1978年、ウイーンの音楽一家に生まれる。6歳からウイーン国立音楽大学に学び、Ｈ・メジモレックに師事。米国でのストラヴィンスキー。アウオードで第1位になるなどのコンクール歴を重ねる。欧州の主要オーケストラと、著名指揮者と共演を重ねてきた。その後活動範囲は世界に広がる。
　2006年のモーツアルト記念年、09年のハイドン記念年には、ウイーン楽友協会でシリーズコンサートを開催。また、アルメニアのエレバンで毎年開催のオーストリア・アルメニア音楽祭の創立者であり共同監督も務める。2010年からジュネーヴ高等音楽院の教授。
2017年からベルリン芸術大学教授に就任の予定。
（記録：西谷晋）




 

バルトーク　４４の二重奏曲

講師：今井信子（ヴィオラ）
日時：２０１６年１１月６日（日）１５時開演　スタジオ・コンチェルティーノ

　　　　　　　　　　
 
　この日は世界的なヴィオラ奏者、今井信子さんのＴＡＭＡ音楽フォーラム２回目の登場である。最初に岡山潔代表が「この４４のデュオは本来ヴァイオリン用の曲だが、ヴィオラ２本でも、チェロ２本でも演奏できる。この曲集は取り組めば取り組むほど難しく、しかし興味深い」と語りながら、今井信子さんを紹介した。
　今井さんはまず「今日、ヴァイオリン２本のほかヴィオラ２本の編成でもレッスンし、演奏もする。私（今井）と佐々木亮さんのコンサート演奏では原調で弾くとの断りがあった。さらに今井さんは「昨年からスペイン・マドリードのソフィア音楽院という素晴らしい学校で最後の大きな仕事という気持ちで教えている。いい教材を探しているうちに出会ったのがこの曲集で、ブダペストに出かけ、そこの民族音楽の大家に二日間にわたりこの44曲を教えてもらった。バルトークはハンガリーのほか、ルーマニア、セルビア、ブルガリアなどの農民から集めた膨大な数の民謡から44曲のための素材を選び（ただ、第3５，36曲だけは自作の旋律）、1931年に作曲した。私は昔、斎藤秀雄先生からハンガリー音楽の特徴を叩き込まれていたが、本場の人はそれを身体で感じていることが分かった」とヴィオラを弾きながら説明した後、レッスンが始まった。
　受講生は４組で、①ヴィオラ２本＝山本成（桐朋学園大学３年）と日下水月（同大学２年）②ヴィオラ２本＝秀岡悠太（東京音大大学院）と柴田春音（同大学院）③ヴァイオリン２本＝葉石真衣（東京芸大大学院）と小山あずさ（東京芸大卒、仙台フィル団員）④ヴァイオリン２本＝長尾春花（東京芸大博士課程、フランツ・リスト音楽院留学中）と花岡沙季（東京芸大卒、フランツ・リスト音楽院修士卒）の8人。この４組の若手演奏家が４４曲のうち、バルトークの示唆に従って今井さんが選んだ１２曲をかわるがわる演奏して、今井さんの実に綿密な指導を受けた。また、それぞれの曲の中で、1910年代のバルトークが収集した当時の農民の歌の古い蝋管による録音が参考として流された。以下は、１２曲の曲順とその指導内容をごくかいつまんで記す。
　４４曲＝トランシルヴァニアの踊り＝ヴァイオリン２本の③組の演奏。きれいに弾けたが、メロディーはもう少しよたった感じがほしい。やりすぎはいけないけれども。水彩ではなくもっと油絵的に情熱的をこめて。リズムがすごく大切、２つの声部がしっかりと聞こえるように。農民の音楽はシンプルに見えるがそうではなく、生活からにじみ出す味わいがある。曲の後半はどんどん泥臭くなる。特に最後は、力強く最後の音の一つ前の前打音である16分音符を勢いよく弾き切って、しっかりと終結音を決めたい。
　１９曲＝メルヒェン＝ヴィオラ２本の②組の演奏。おとぎ話の感じを出したい。ブルガリアの３拍子、３拍子、2拍子のリズムだが、もっとなだらかに、平坦に進めるように。おなじテンポでも速い遅いの感じを表現できるが、ここは、遅く感じるように演奏したい。（第2ヴィオラに）これを伴奏だと思わないこと。伴奏ではなく、対旋律として音楽に寄り添うこと。
　16曲＝ブルレスク＝ヴァイオリン2本の④組の演奏。これは実は失恋の歌なのだと古い録音を聞かせる。歌うところとスタッカートのところを弾き分けたい。もっとリズムの強調がほしい、そして演奏に自在さがあっていい。
　28曲＝悲しみ＝ヴィオラ2本の①組の演奏。初めの7小節は前奏のつもりで、ヴィブラートをほとんどかけずに静かに。そのあと「話」が始まる。まことにハンガリー的、バルトーク的に。主旋律では特定の音を強調しすぎないように。第二ヴィオラはひとりで行かず、第一奏者を支えるつもりで。バルトークの肉声を聴くと、ピアノとかバルトークとかの発音は頭にアクセントがある。音楽でも同様である。
　43曲＝ピチカート＝ヴァイオリン2本の③組の演奏。アレグロではなく、アレグレットのテンポで弾きたい。もっと強調してほしいところがある。二つの楽器の対話の表情の違いに注意すること。
　36曲＝バグパイプ＝ヴィオラ2本の①組の演奏。最後が貧弱だ。しっかりと決めること。上品すぎる。まじめすぎないで、もっと土臭く前へ前へと強引に進む感じ。曲の終止はピタッと止める。このあとヴァイオリン2本の④組が繰り返しなしで同じ36曲を弾く。今井さんの指示があったせいで、力強く演奏した。
　21曲＝新年の歌（１）＝ヴィオラ2本の②組の演奏。この曲は3段階からなっている。始まりは開放弦で、単にきれいな音ではなく、多少かすれ気味のような音で情感を出して。テンポはもう少し早めに。音楽演奏にはパッシブ（受動）とアクティブ（能動）の要素が代わる代わる出てくるものだが、ここはパッシブに演奏したい。第一ヴィオラのボウイングへの注意もあった。
　42曲＝アラビアの歌＝ヴァイオリン2本の③組の演奏。この曲はフルートとドラムを模したところがある、としながら、古い歌による録音をかけて聞かせる。中間部はスタカート気味に弾く方がいい。クレッシェンドは少し早めにかけるように。
　1曲＝からかい歌＝ヴィオラ2本の①組の演奏。これは実はからかい歌ではなく、マッチ・メーキング（結婚仲介の意味か）の曲である。あまりヴィブラートをかけずに、シンプルに演奏すること。
　8曲＝スロヴァキアの歌（２）＝ヴァイオリン2本の②組の演奏。よかったけれども、もう少し自分の歌になるように工夫を。半音のところに節をつけるとか、スラーをかけるとか表現を考えてほしい。
　6曲＝ハンガリーの歌＝ヴィオラ2本の②組の演奏。初めのところの3つの音に変化をつける。平板にならないように。最後の音はヴィブラートは要らない。
　9曲＝遊びの歌＝ヴァイオリン2本の③組の演奏。最初から8分音符を少し長めに弾き、進んでいくこと。
　以上でレッスンが終わり、休憩後、今井信子・佐々木亮の二つのヴィオラによるコンサートになった。プログラムはレッスンと同じ１２曲が同じ曲順で演奏された。佐々木亮氏は日本を代表するヴィオラ奏者で、現在、ＮＨＫ交響楽団の首席ヴィオラ奏者として、また室内楽奏者として多彩な活動を展開している。二人の演奏はまことに力強く、且つ繊細で、バルトークの弦による「ミクロコスモス」を見事に描き出し、素晴らしい世界が広がった。そして最後に本日の受講者全員が加わり、第４４曲トランシルヴァニアの踊りがレッスンの成果を示しながら、きわめてスケール大きく、情熱的に演奏された。（記録：西谷晋）
 

 

Ｊ．ブラームスの後期室内楽
「ヴァイオリンソナタ第3番」希望の響き、歌曲＜教会墓地で＞を背景に

 2017年2月18日（土）１５：００開演
　　　　　　　スタジオ・コンチェルティーノ
 
今日は音楽学者の藤本一子さん（元・国立音楽大学教授/東京芸術大学講師）によるレクチャー・コンサートである。3年前のシューマンの室内楽に続き、今回はブラームスの後期室内楽、特にヴァイオリンソナタ第3番とその歌曲との関連に焦点を合わせた内容となった。
藤本さんは最初にスクリーンにブラームスの生地ドイツ・ハンブルクの遠景を映し、次いで同地のブラームス記念館と洗礼を受けたプロテスタントの聖ミヒャエル教会の写真を見せた。教会前にはルターの銅像が立っている。そのうえで、藤本さんは、ベートーヴェンの後のドイツ民衆的、プロテスタント的な古典的作曲家というブラームス像とは違う面が最近の研究で次第に明らかになってきていると指摘した。ブラームスが活動した19世紀後半においては、シューマンの評価のほうが高く、ブラームスはむしろ伝統的で古臭いとみられていた。しかし、近年では、繊細で複雑なブラームス像が浮かびあがり、シェーンベルクへの橋渡し的な位置があたえられるようになった。
　ブラームスの後期室内楽にはシューマンの影響の中に、死を恐れる人間像が刻まれている。「神よ、我は何により生きているのか」このような思いが後期のブラームス音楽に反映している。
　1886年、夏の滞在地、スイスのトゥーン湖で後期室内楽4作品が完成ないし作曲が開始された。チェロソナタ第2番作品99、ヴァイオリンソナタ第2番作品100、ピアノ3重奏曲作品101、そして完成が2年後となるヴァイオリンソナタ第3番作品108という4傑作である。
　藤本さんによるとこの4作品はいずれも「下行4度」の多用を特徴とする。「下行4度」は不安定な完全協和音程で、バロック音楽理論では「疑念・嘆き」を示す。この例として、Ｊ．Ｓ．バッハの平均律曲集第1巻22曲のフーガ変ロ短調を例に挙げ、ピアニストの奈良希愛さん（国立音楽大学准教授）が冒頭を弾いてくれた。ブラームスはチェロソナタ第2番の出だしで4度上行した後4度下降することや、ヴァイオリンソナタ第2番の始まりでは、下行4度を繰り返して、イ長調主和音の定着を試みた。ピアノ3重奏第3番では強烈に主和音を提示した後、「下行4度」半音を導入して厳粛感を出す。ヴァイオリンソナタ第3番では4度上行したあと「下行４度」へ移る主題を提示している。このように彼はまことに多彩な音楽をここで作っている。
　３つのヴァイオリンソナタはそれぞれ自作の歌曲と関連している。第1番作品78は「雨の歌」と「余韻」、第2番作品100は「メロディーのように」や「来てすぐに」、第3番は「教会墓地で」、「嘆き」、それにシューマンの「春の到来」、また歌曲ではないが、ブラームスの「11のコラール前奏曲」作品122に関連している。
　さて、きょう、中心になって取り上げる第3番ニ短調のソナタは2年の推敲を経て1888年に完成し、珍しくも献呈者つきで出版された。3つの楽章からなる。第1楽章アレグロの第1主題は歌曲「教会墓地で」のエオリア調のコラール旋律（もとは17世紀の受難歌とされる）に基づいている。「下行4度」が示す嘆き、「減7和音」の示す欠如、またため息と戸惑いが表現されている。第2楽章アダージョの中間の重音部分はハンガリー風の哀感があり、主題の旋律は歌曲「嘆き」（「青春は過ぎ去った、今は冬、今は冬」）からとられている。第3楽章の少しプレストで情感を込めて（嬰ヘ短調）は、特に歌曲旋律を用いていないが、
要所に「下方4度」が出て、経過部では「教会墓地」でのエオリアン・ハープ音型が現れる。第4楽章プレスト・アジタートの主題はやはり「下方4度」で経過部にハープ音型が出る。第2主題の旋律はシューマンの歌曲「春の到来」（「暗い日々が過ぎ…花たちは天を見上げて咲く、心よ快活で大胆であれ！」）を引用している。
　こうしてみるとブラームスはこの4つの楽章を通じて、悲嘆と願望から快活な喜びに向かって、歌曲の旋律を使いながら希望の響きを奏でているといえよう。また作風は一見伝統的なのだが和声法は新しい。1889年ブラームスはクラーラにあてた手紙でソナタ第3番について「この作品をあなたが心和んで弾いてくれるなら嬉しいのです」と書いている。
　でも、これだけではまだブラームスの素晴らしさを十分に述べたとは言えない。
　第1楽章をもう一度詳しく見てみよう。伝統的なソナタ形式だが随所に近代性がある。たとえば提示部ではピアノ部がユニゾンをずらすことでためらいを表現し、和声をふくらませている。また、歌曲「教会の墓場」の「嵐」の音型が様々な箇所で侵入し、前進をためらわせる。展開部は本来の役割を捨てて、美しい霧の中に沈潜するようで、最も魅力的なところとなる。ここではイの保続音のうえで、バロック的分散和音が近代的な和声の揺らめきに包まれる。コーダでは、第1主題がフォルテで登場し、霧の楽句で前進をたじろがせるが、最後はニ長調の高みで閉じる。このように、ロマン主義の後の現実の中で、新たな抒情を再構築しながら、慈しみと希望がうたわれる。
　ブラームスが初めてシューマン家を訪れた1853年、すでにロマン主義は終わりを告げていた。この中でブラームスは苦悩しつつ、新しい未来を切り開いたのである。
　藤本さんは最後に「今日のお話によって、皆様にブラームスの新しい景色が見えたと思って下さったら、とてもうれしいです」と語った。
　休憩の後、コンサートに移り、藤本さんのレクチャーに従って、ブラームス作品が演奏された。まず、「5つの歌曲」作品105から4曲。第1曲「メロディーのように」、第2曲「私のまどろみは、いよいよかすかに」、第3曲「嘆き」、第4曲「教会墓地で」。これは谷地畝晶子さん（岩手大学、岩手県立大学講師）のアルト、奈良希愛さんのピアノで演奏された。
　続いてヴァイオリンソナタ第3番作品108の全4楽章を戸原直さん（東京芸術大学院修士課程2年）のヴァイオリンと奈良さんのピアノで演奏された。
　アンコールとして、谷地畝さんが再登場し、ヴァイオリンをヴィオラに持ち替えた戸原さんと奈良さんのピアノにより、ブラームスの「2つの歌」作品９１の第2曲「宗教的な子守歌」が夕べの静寂のなかをしみじみと流れていき、この充実したレクチャー・コンサートを締めくくった。（記録：西谷晋）
　
 

公開レッスン＆コンサート
「ドビュッシーのチェロソナタ」

2017年3月12日（日）15時　スタジオ・コンチェルティーノ
 
 
講　師：　　山崎　伸子（チェロ）
共　演：　　津田　裕也（ピアノ）
 
 
 
　「きょうこそ春、このところ冬と春が行ったり来たりでした。きのう紀尾井ホールでシューマンの（交響曲第1番）『春』を聴きました。ようやく春が来た感じです」――岡山潔ＴＡＭＡ音楽フォーラム代表は開口一番、春の訪れを宣言した。スタジオ・コンチェルティーノの辺りは長い斜面に植えられた梅の花がほぼ終わり、人家の庭先の白いモクレンが目立つ。頬に当たるそよ風は少し冷たいが、着込んでいるせいで、５分も歩くと汗ばんでくる。お天気にも恵まれて、聴講席は満員になった。
 
　この日の公開レッスンの講師はチェロの山崎伸子・桐朋学園大学特任教授（東京藝術大学名誉教授）で、俗に印象（主義）派などと呼ばれるフランスの作曲家クロード・ドビュッシー（1862～1918年）が最晩年に作曲したチェロソナタ・ニ短調（1915年）を受講曲に選んだ。彼はそれぞれ楽器が異なる6つのソナタの作曲を計画したが、すでに重い大腸がんを患っていたためか、完成したのはこのチェロソナタを含む3曲だけだった。作曲家唯一のチェロソナタとされ、プロローグ、セレナード、フィナーレの3楽章で構成、長くはないが、高度な演奏技術と豊かな感受性が要求される難曲だ。
 
山崎先生が用意したローラン・マニュエルによる解説資料（遠山公一訳）には「夢幻と謎に満ちた柔和なプロローグが終わると、曲は辛辣で気まぐれに跳ねまわるセレナードを迎え、少しの間夢を見るような物悲しさに戻るものの、終曲は陽気で快活さにあふれている」とある。
 
　受講生はａとｂの二組で、ａはチェロが桐朋学園大音楽学部１年の内山剛博、ピアノが東京藝大大学院ソルフェージュ科の追川礼章、ｂはチェロが桐朋学園大ソリスト・ディプロマ・コース１年の水野優也、ピアノが桐朋学園大カレッジ・ディプロマ・コースの神谷悠生のそれぞれお二人。まずａ組が通して演奏した。終始、笑顔で聴いていた山崎先生は「すばらしかったですよ」と言って奏者を落ち着かせ、第１楽章からレッスンを始めた。チェロの内山君に「上着は脱いだ方がいいのでは」「右の肩の位置が動かないように」とまず注意、続けて、弦に弓を当てる位置や左手指による弦の押さえ方といった基本動作を指導する。さらに「音色がきこえてこない」「初速を速く、響きを引っ張る感じで」と注文をつけ、自ら繰り返し手本を示すなど、熱のこもったレッスンになった。
 
　ｂ組もまず通して演奏。山崎先生は「勢いがあってすばらしいですね。第2楽章からやりましょうか」「ドビュッシーはストラヴィンスキーのバレエ『ペトルーシュカ』のなかで、人形が目覚めて、だんだん動き出すところを連想して、ピチカートを使い、ピアニッシモで表現した・・・」と解説し、弦に当てる弓の位置を変化させて立体感を出すとか、弓のスピードの使い分け、ピアノのペダルの使い方など、まず技術面を指導。
 
　次に山崎先生はお二人に第2楽章はどんな感じがするか質問した。チェロの水野君は深海のイメージ、動かない感じなどと言い、ピアノの神谷君は感情が発散する感じ、だるい感じなどと答える。先生は「チェロとピアノとで感じ方が違うので、作曲家が楽譜に封じ込めた表情を取り出すには、二人で議論して表情を決める必要がある」と注文をつけた。そして、作曲当時、ドビュッシーは病気で、痛みがあったからか息苦しいような音のところもある、それでも作曲家は生きる喜びを感じていた、第一次大戦でフランスがだめになっていく不安といった心理状態や時代背景が千変万化の音色に織り込まれている、などと付け加えた。
 
楽譜には書いてない多くのことがらを学び、表情を磨きあげて、息の合った演奏をするには並大抵でない努力が必要なことは素人の筆者にも理解できる。4人の受講生の皆さんのさらなる精進と飛躍に期待したい。
 
　コンサートでは山崎先生のチェロと最近の活躍が注目される若手ピアニスト、津田裕也氏の共演で、ドビュッシーのチェロソナタ、さらにフレデリック・ショパンのチェロソナタ・ト短調（Op.65）の2曲。「上手な生徒のあとは弾きづらいですね。緊張してしまって・・・」と冗談を言ってから、ドビュッシーの模範演奏。まさに千変万化の響がいっぱいに広がった。ショパンの曲（最晩年の1846年に作曲、友人でチェリストのオーギュスト・フランショームに献呈された）は「ピアノの詩人」らしくピアノが大活躍。大きな拍手にこたえて、ドビュッシーの「亜麻色の髪の乙女」が演奏された。（走尾　正敬）